Ser, sin serlo - Patricia Belli

Exposition du 20.09 au 14.12.2019
Commissariat de Camille Chenais.

Flyer de l’exposition, Ser, sin serlo

La Villa Vassilieff est heu­reuse d’accueillir la toute pre­mière expo­si­tion en France de l’artiste Patricia Belli (1964, Nicaragua) dont la pra­ti­que artis­ti­que se déploie au tra­vers d’ins­tal­la­tions com­pre­nant sculp­tu­res, des­sins, ou encore vidéos. Pour cette expo­si­tion, l’artiste a choisi de réunir des oeu­vres issues de sa pro­duc­tion plus ancienne avec des nou­vel­les pro­duc­tions dans les­quel­les des sym­bo­les – issus de rêves et de mytho­lo­gies – évoquent un équilibre ins­ta­ble entre domi­na­tion et résis­tance, vio­lence, peur et com­pas­sion. Dans l’espace se déploient des corps frag­men­tées, sans carac­tère sexuel appa­rent, que l’on pour­rait croire ina­ni­més si une ten­sion pal­pa­ble et un léger mou­ve­ment ne venaient pas trahir ce sen­ti­ment. Avec ces formes anthro­po­mor­phes, l’artiste sou­haite ques­tion­ner les diver­ses condi­tions qui peu­vent alié­ner ou fra­gi­li­ser les corps. Des oura­gans aux révo­lu­tions, l’ins­ta­bi­lité et les jeux de domi­na­tion sont évoqués à tra­vers ces sculp­tu­res et leurs équilibres phy­si­ques pré­cai­res.

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Ser, sin serlo - par Camille Chenais

Dans l’espace de la Villa Vassilieff, on peut ren­contrer une balan­çoire, des repré­sen­ta­tions de tem­pê­tes, une jambe, des têtes, des dou­bles têtes, de la pous­sière, un grand mor­ceau de tex­tile blanc, des grains de sable, un avant-bras, des images de corps flot­tant dans le ciel, des oloï­des, une pierre qui tombe, un tabou­ret à bas­cule, des mor­ceaux de verre brisés, Xipe Totec… On peut enten­dre des bruits sourds ou une ber­ceuse fre­don­née pen­dant une tem­pête. On peut suivre des yeux le balan­ce­ment d’un tabou­ret à bas­cule, l’oscil­la­tion d’une balan­çoire, l’ondoie­ment d’un vire­vol­tant oloïde. Leurs mou­ve­ments cycli­ques nous ber­cent. En entrant dans l’espace, nous n’entrons pas dans une expo­si­tion où les œuvres sont cir­cons­cri­tes à leurs socles ou sys­tè­mes de mons­tra­tion, nous entrons dans un envi­ron­ne­ment où le tra­vail de l’artiste se situe aussi bien dans les formes sculp­tées, les bruits dif­fu­sés, les mou­ve­ments créés, que dans les vides de l’expo­si­tion où se tis­sent les liens entre les pièces, où se crée l’expé­rience des visi­teur·eu­se·s. Une des pre­miè­res choses qui frappe, c’est l’équilibre pré­caire, pres­que irréel, dégagé par les pièces et leur mise en espace. Presque toutes sont en équilibre. En s’appro­chant de cer­tai­nes se créent une ten­sion, une impres­sion de danger, d’ins­ta­bi­lité. La notion d’équilibre – et son corol­laire, le désé­qui­li­bre – est récur­rente dans l’œuvre de Patricia Belli, elle tra­duit l’ins­ta­bi­lité de nos vies, le manque de contrôle que nous avons sur notre envi­ron­ne­ment et sur les événements poli­ti­ques, domes­ti­ques, inti­mes ou natu­rels qui nous affec­tent.

Ser, sin serlo mêle des sculp­tu­res en céra­mi­que, des ins­tal­la­tions en bois, des pièces en métal, en verre et en tex­tile, avec des pein­tu­res, des pho­to­gra­phies, des vidéos et des pièces sono­res. Le tra­vail de Patricia Belli est en per­pé­tuelle évolution, elle passe d’une tech­ni­que à l’autre, d’une repré­sen­ta­tion à l’autre, avec une faci­lité et une inven­ti­vité déconcer­tan­tes. Par le biais d’assem­bla­ges hybri­des, elle crée un lan­gage plas­ti­que, poé­ti­que, énigmatique, par­fois déran­geant qui tra­duit des préoc­cu­pa­tions inti­mes et socia­les. Son œuvre se fonde sur sa sen­si­bi­lité visuelle et tac­tile ; dans son pro­ces­sus de tra­vail, l’explo­ra­tion des maté­riaux, de leurs sur­fa­ces, de leurs formes, de leur vul­né­ra­bi­lité, semble être sa bous­sole. « Avant tout, je suis une sculp­trice. Ma prin­ci­pale moti­va­tion est mon tra­vail de l’espace. Puis, au cours de mon pro­ces­sus créa­tif, d’autres idées et solu­tions émergent de mon tra­vail des maté­riaux. Mon point de départ est la manière dont ils fonc­tion­nent, qui génère ensuite une méta­phore qui, à son tour, se nour­rit de mes autres préoc­cu­pa­tions vita­les. Dans mon tra­vail, mon che­mi­ne­ment est nor­ma­le­ment fait ainsi. Je vois quel­que chose dans la rue, je vois quel­que chose dans mon ate­lier et je me dis "C’est la flexi­bi­lité !" ou "C’est de la vul­né­ra­bi­lité ! Je la vois !". Puis, je cla­ri­fie cette idée à tra­vers une forme encore davan­tage abré­gée. [6] » Son œuvre semble ainsi tou­jours émaner d’une obser­va­tion scru­pu­leuse de son envi­ron­ne­ment, du ciel aux cel­lu­les visi­bles au micro­scope en pas­sant par les rebuts oubliés dans les rues, ou même par ses rêves et images men­ta­les.

Vue de l’exposition, "Ser,sin serlo". Image : Aurélien Mole

Toutefois, le lan­gage de Patricia Belli n’est pas celui de la repré­sen­ta­tion, mais celui de la méta­phore. Elle ne tra­duit pas direc­te­ment ses expé­rien­ces sen­si­bles per­son­nel­les, mais ques­tionne, à partir de celles-ci, des thèmes com­muns comme la vie, la mort, la renais­sance, les sys­tè­mes de domi­na­tion, l’équilibre et le désé­qui­li­bre, la fra­gi­lité des corps, les rela­tions de pou­voir, de désir. Tout son tra­vail prend ainsi racine dans cet enche­vê­tre­ment de ses émotions, de ses pro­ces­sus inti­mes avec des sujets qui les trans­cen­dent. Elle le fait sans gran­di­lo­quence, avec sim­pli­cité, par­fois avec humour. Dans Sísifa (Sisyphe [7]), une main tente de porter des pier­res tout en che­mi­nant en équilibre avec deux doigts, sur une fine corde blan­che. À plu­sieurs repri­ses, la main cède sous le poids, perd l’équilibre, et fait tomber les pier­res dans des bruits sourds. Avec sub­ti­lité, ces images évoquent la charge men­tale de la mater­nité qui pèse sur le corps des femmes. En jouant sur l’ana­lo­gie ou les res­sem­blan­ces, les œuvres de Patricia Belli jouent le rôle de point de jonc­tion entre la sen­si­bi­lité per­son­nelle de l’artiste et l’expé­rience des visi­teur·eu­se·s. Inspirée par les théo­ries de Carl Gustav Jung sur l’incons­cient col­lec­tif, l’artiste tente de tra­duire ses expé­rien­ces per­son­nel­les dans des formes qui per­met­traient de ques­tion­ner la condi­tion humaine ainsi que le contrôle que nous exer­çons sur elle.

Les pre­miè­res pièces que Patricia m’a mon­trées quand nous avons com­mencé à tra­vailler sur cette expo­si­tion au mois de mars der­nier, furent des sculp­tu­res en céra­mi­que, encore humi­des, repré­sen­tant un avant-bras et une jambe. Leur réa­lisme ana­to­mi­que appa­rent créa chez moi une pre­mière impres­sion de répul­sion. Elles me fai­saient penser à des mor­ceaux de corps arra­chés. Il y avait également une main qui s’était cassée en séchant. Immédiatement, les images de mains arra­chées par les gre­na­des de la police natio­nale fran­çaise pen­dant les mani­fes­ta­tions me vin­rent à l’esprit. Je lui deman­dai alors, si ces œuvres évoquaient pour elle les corps morts des mani­fes­tants nica­ra­guayens [8]. Elle me répon­dit que non. C’était plus subtil que cela. Si les vio­len­ces et la répres­sion du gou­ver­ne­ment de Daniel Ortega étaient bien pré­sen­tes à son esprit lorsqu’elle tra­vaillait sur ces pièces, ces der­niè­res n’en étaient pas des illus­tra­tions, bien au contraire. Ce qui inté­resse l’artiste n’est pas de faire une chro­ni­que docu­men­taire ou jour­na­lis­ti­que de ces événements, mais d’évoquer, à partir de cette expé­rience, les formes de domi­na­tion que subis­sent nos corps, leurs impacts, mais également la manière dont ils résis­tent et sub­ver­tis­sent ces contrain­tes et oppres­sions . Dans l’espace de l’expo­si­tion, ces corps frag­men­tés et dis­per­sés n’appa­rais­sent pas gisant sur le sol, mais sont placés dans des équilibres incer­tains évoquant le mou­ve­ment. Ces ana­to­mies dis­lo­quées dis­sol­vent les fron­tiè­res entre le vivant et l’inerte. Ils résis­tent. Ils gué­ris­sent de leurs bles­su­res. « Je suis impres­sion­née et atten­drie par la façon dont les humains essayent, et réus­sis­sent par­fois, à répa­rer des bles­su­res, leurs pro­pres bles­su­res, celles du corps, de l’âme et celles de leurs objets. [9] » Dans le tra­vail de Patricia Belli, le corps est donc à la fois un espace vul­né­ra­ble, fra­gile et intime et un espace de résis­tance, de pou­voir. Cette mul­ti­pli­cité sym­bo­li­que se tra­duit sou­vent par l’image du corps divisé, dis­persé, brisé, frag­menté. Cette dis­lo­ca­tion met en avant l’impos­si­ble repré­sen­ta­tion d’une iden­tité, d’une cor­po­ra­lité ou d’une sub­jec­ti­vité sous une forme arrê­tée et stable. « Il semble que Belli crée pour pou­voir ras­sem­bler tous les frag­ments de son être. [10] » écrit Miguel A. López lors de la pre­mière rétros­pec­tive consa­crée à l’artiste.

Aux murs, des pein­tu­res pres­que abs­trai­tes repré­sen­tent le cœur de tem­pê­tes. Ces pièces sym­bo­li­sent la nature dans ce qu’elle a de plus vio­lent : sa force de des­truc­tion. En se mêlant aux repré­sen­ta­tions anthro­po­mor­phes qui peu­plent également l’espace, elles nous rap­pel­lent que malgré toutes nos aven­tu­res civi­li­sa­tri­ces, nous sommes insi­gni­fiant·e·s face à notre pla­nète et ses forces impré­vi­si­bles. Ailleurs deux têtes sem­blent dia­lo­guer, l’une est montée sur des petits pieds en bois flotté, l’autre est sou­te­nue par un sys­tème com­plexe de pou­lies et de cordes. Le visage de cette der­nière est recou­vert par ce qui semble être une seconde peau, évoquant cer­tai­nes repré­sen­ta­tions du dieu aztè­que Xipe Totec (« notre sei­gneur l’écorché » en nahuatl). Dans la mytho­lo­gie aztè­que, il est le dieu de la vie, de la mort, de la résur­rec­tion, de l’agri­culture, du renou­vel­le­ment de la nature, des pluies fer­ti­les et de l’orfè­vre­rie. Comme les grai­nes de maïs qui per­dent leur peau avant la ger­mi­na­tion, Xipe Totec s’écorche vif pour nour­rir l’huma­nité. Cette figure sym­bo­lise des idées qu’on devine à d’autres endroits de l’expo­si­tion : celles des cycles de la vie, du sacri­fice, de la nais­sance et de la renais­sance.

Toute l’expo­si­tion oscille donc entre ces deux contrai­res, la renais­sance et la des­truc­tion. L’artiste ne choi­sit ni l’une, ni l’autre, mais invente des formes qui pren­nent sens à la fron­tière de ces oppo­si­tions binai­res. Toute la com­plexité des œuvres de Patricia Belli repose sur cet entre­cho­que­ment entre bon­heur et désillu­sion, angoisse et empa­thie, doute et joie. À deux repri­ses, nous croi­sons dans l’expo­si­tion des sculp­tu­res bicé­pha­les en céra­mi­que. Raices (Racines) est posée sur le sol, ses deux visa­ges pai­si­bles pres­que endor­mis. Ils sem­blent être ensem­ble depuis long­temps, des raci­nes se sont déve­lop­pées sur leurs crânes et semble ainsi les relier. Ils me font penser à des sculp­tu­res rui­nées de civi­li­sa­tions pas­sées, que nous retrou­vons par­fois, sur les­quel­les, la nature semble avoir repris ses droits. Les deux têtes de Pesadilla (Cauchemar), à l’inverse, sont habi­tées de sen­ti­ments oppo­sés : l’une semble saisie d’effroi, l’autre esquisse un sou­rire serein. Elles oscil­lent dou­ce­ment, au-dessus d’un pied à balan­cier. Ce motif de la double tête maté­ria­lise l’hybri­dité et la conflic­tua­lité de nos êtres, de nos corps. Nous sommes à la fois oppres­sé·e·s et oppres­seur·e·s, inno­cent·e·s et cou­pa­bles, mena­çant·e·s et mena­cé·e·s, bles­sé·e·s et puis­sant·e·s, cruel·­le·s et doux·­ces, nous-même et autre. Ser, sin serlo. Nous sommes sans être.

C’est donc dans ce pay­sage hybride à l’équilibre pré­caire, que les visi­teur·­ri­ce·s doi­vent trou­ver leur place. Il·elle·s sont inci­té·e·s à s’asseoir sur un tabou­ret à bas­cule ou une balan­çoire dont les légers balan­ce­ments, inten­si­fiés par un son, les entraî­nent à ques­tion­ner leur propre sta­bi­lité ou ins­ta­bi­lité. Il·elle·s sont également invi­té·e·s à faire rouler une forme oloï­dale para­si­tée par un mélange d’entre­lacs et à dépla­cer des formes sur une table recou­verte de sable fai­sant ainsi appa­raî­tre le tracé de leur mou­ve­ment. Si, à pre­mière vue, ces actions peu­vent avoir l’air ludi­ques ou inno­cen­tes, l’artiste, par le biais de sons ampli­fiés qui se déclen­chent lors de la mise en mou­ve­ment des pièces, donne à ces actions une étrangeté qui dérange et ques­tionne.